Josué Sánchez Cerron

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Josué Sánchez (Huancayo, 1945) has been recreating the Andean world, especially the Mantaro Valley, within the framework of its traditions and mythical conceptions, such as the tripartite world of Hanan Pacha (world above), Kay Pacha (present world) and Uku Pacha (underworld). In that vision is the village, with its houses with red roofs or straw roofs, the village fair, peasant life and customs. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Paintings by Peruvian Artist Josue Sanchez. Some of the paintings by Josue Sanchez that are part of the collection of Pickens Museum. Most of these paintings were acquired in the 1970s when Hugh Pickens was a Peace Corps Volunteer working with the Ministery of Education in Huancayo, Peru. Josue was starting out as an artist so some of these early paintings are painted on curtains because Josue could not afford canvas and some of these early works are painted with house paints that he mixed himself. Josue would sell his paintings in Huancahuasi Restaurante. He was a friend of my late wife Bette Manrique Galvez. "I was just 20 years old but I recognized Josue's vision and his talent for putting it on canvas," says Pickens. "I knew that Josue would someday be recognized as a significant artist. I was glad to help him along the way to international recognition by expanding his original biography on Wikipedia in 2008 as ReservoirHill. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Sanchez paints everyday life, customs, and popular myths from Andean life in Peru. The fundamental characteristic of Sanchez's work is how it is rooted in the artesan work of the natives of Mantaro valley and regions of the South Andean world. "Josué Sánchez se apoya fundamentalmente en la técnica de los artesanos. Las líneas, los diseños y los colores encendidos y contrastantes de sus primeras pinturas están tomadas de las mantas y «pullukatas» que todavía suelen portar las campesinas en la espalda," says Baquerizo.Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

Josué Sánchez Cerron is a Peruvian painter born in Huancayo, Peru in 1945.

Josué Sánchez (born 22 January 1945) is a Peruvian artist, graduated from the School of Fine Arts of the UNCP (National University of the Center of Peru).

His paintings; which are of neo-figurative style, have been described as of “new indigenous figuration,” because of its thematic based on the Andean worldview, which he interprets using the technique of acrylic on canvas, paper or wall.

Recognized muralist, Sánchez is famous for his murals in the Church of Chongos Alto (350 m2) and the Franciscan Convent of Santa Rosa de Ocopa (400 m2) in Huancayo, Peru. He also has three important murals in Germany, two in the city of Aachen: one in the Sanctuary of MISSIO and another in the Church of the Holy Spirit; and a third in the Church of Litzelstetten, on the shores of Lake Konstanz. With over 2500 paintings to his credit, his works are in galleries and museums in Peru and Europe and he has exhibited in Spain, Germany, France, England and Switzerland. He has also illustrated the cover and interior of numerous books of Peruvian and foreign authors.

In sculpture, Sánchez uses the technique of modeling and casting in concrete and fiberglass; his works are in figurative and neo-figurative styles.

Among his numerous sculptural works the most representative are: the monument to The Mother in the main square of Huamali in Jauja, which the artist considers his best work; six sculptures of representative people of the Wanka culture in the Parque de la Identidad Wanka in Huancayo; and the Andean Virgin of the Immaculate Conception in the park of the same name, also in Huancayo.

Considered an expert in Andean culture, he has worked in cultural promotion, consulting, design and implementation of projects in non-governmental agencies and international bodies such as the European Economic Community, of which has been a consultant.

Sánchez is the author of the book Creencias mágico religiosas en la vivienda rural (Magical and religious beliefs in rural housing) (2009) and coauthor of Plantas en la cultura andina (Plants in the Andean culture) (2000). He has also written numerous articles on Andean ideology, worldview and rural architecture in various media, and he is also the author of the unpublished works Huasi Lulay, rural housing in the Mantaro Valley and Pullukata, iconography of the blankets.

He has been editor of the cultural supplement “Huellas” of the newspaper Primicia of Huancayo, and wrote the column “Desde el atelier” in the cultural supplement “Solo 4” of the newspaper Correo of Huancayo. Currently, he also teaches at the UPLA (Peruvian University of the Andes).

Early Life, Education, and Work as an Artist

Growing up in the Campo

As a child growing up, Sanchez lived in the country and spent his youth surrounded by plants, birds, and the small creatures that lived in the fields. "A los cinco años me llevaron de la ciudad al campo y pasé mi infancia conversando con las plantas, con las aves, con las piedras que cobijan a los grillos y con las criaturas vestidas de harapos que llaman espantapájaros," says Sanchez. At night Sanchez's mother would tell him stories of the andes and the magical creatures who lived there. "Los cuentos de las noches de mi infancia viven aún en el recuerdo de la voz emocionada de mi madre. Ahí cobraban vida don Antonio Atoj, el zorro, y Diguillo Ucucha, el cuy, más listo que el zorro. Negándose a descansar, aventura tras aventura, ellos jugaban sobre mi almohada de niño hasta el amanecer," says Sanchez. "No soy yo, le decía a mi madre, son ellos los que no quieren irse a dormir. Afuera, los gatos de la tía Simeona peleaban mientras yo me juraba que algún día los atraparía. Negros, encorvados, listos para escapar al menor descuido, están encarcelados ahora en los lienzos que pinto para fastidiar a los pintores." By day, Sanchez lived close to a factory that fabricated tejas, the clay tiles people use for roofs in the andes and Sanchez earned pocket change as an artesan working the clay to make small sculptures of animals that the factory gave to its customers. "De niño vivía cerca de una fábrica de tejas que nos daba una propina a los niños por trabajar en terracota pequeñas esculturas de toros, leones e iglesias que la fábrica obsequiaba a sus clientes. Era divertido hacerlas," says Sanchez.

Studies at the UNCP (Universidad Nacional del Centro del Perú)

Sanchez had originally wanted to be a musician and considers himself a sculptor not a painter. "Nunca me propuse ser pintor, en realidad soy escultor, pero hubiera querido ser músico. Ingresé al Conservatorio, pero mi madre enfermó gravemente y tuve que dejarlo para cuidarla," says Sanchez. Para no perder el tiempo me matriculé en la Escuela de Bellas Artes de Huancayo, mi ciudad, en Perú. There were only eighteen students in the school of fine arts and only two worked in scuolpture but Sanchez saw this as an advantage because he and another student had the workshop for sculpture all to themselves. "La Escuela de Bellas Artes sólo tenía 18 alumnos y únicamente dos estudiábamos escultura. Eso suponía una desventaja frente a las bromas de los estudiantes de pintura, pero nos dejaba dueños del taller de escultura y lejos de la pintura académica de corte occidental que se practicaba entonces," says Sanchez. "Fue haciendo un estudio de una escultura pre-inca, que se me ocurrió ponerle color al dibujo. Cuando le mostré el resultado a mi maestro, el pintor Alejandro Gonzáles Trujillo, éste elogió mi trabajo y me alentó a seguir experimentando." Sanchez worked for a publicity agency in 1963 and in 1969 completed his studies in the School of Fine Artes (Escuela de Bellas Artes) at the UNCP in Huancayo, Peru.

Work as an Artist

It wasn't easy for Sanchez to get started as an artist and at Sanchez's first exhibition in Lima his paintings were severely criticized by critics for his use of color. "Lograr un nombre no fue fácil. Aún recuerdo mi primera exposición importante en Lima. Ahí estaba yo, pretendiendo ignorar las acerbas críticas de los profesores de la Escuela de Bellas Artes de Lima invitados por la galerista, que encontraban insoportables mi pintura plana y el restallante colorido de mis cuadros, cuando para sorpresa de todos entró la famosísima escultora boliviana Marina Nuñez del Prado, a quien yo sólo conocía por las fotos de los diarios," says Sanchez.

Marina Núñez del Prado was one of the most widely acclaimed sculptors of Latin America, her work characterized by rolling curves and bulk and by the use of such spectacular materials as black granite, alabaster, basalt and white onyx, as well a different native Bolivian woods. Among her outstanding sculptures White Venus (1960), a stylized female body in white onyx, is among her most admired works. Another famous work is Mother and Child, sculpted in white onyx. In 1938 she left her post and traveled through Bolivia and Peru, Argentina, Uruguay, the United States, Europe, and Egypt. Between 1940-48 she worked and organized exhibitions of her work in the United States while on a scholarship. In 1946 Miners in Revolt, inspired by the miners in Bolivia's Potosí region, won a gold medal in a New York exhibition. In 1948 she returned to Bolivia, finally settling down in La Paz in 1958. By 1972 she had moved to Peru where she lived with her husband, a Peruvian writer. When Marina Núñez del Prado saw Sanchez's pieces in the exhibition she encouraged Sanchez to continue and told Sanchez that if his pieces were exhibited in Europe they would be well received. "Mudo de la emoción, apenas atiné a balbucear unas palabras cuando ella acercándose me dijo en voz alta: 'Felicitaciones, esta exposición en París hoy, sería un boom'," says Sanchez. "Fue un momento glorioso. ¡Sí que fastidié a los pintores! Y fue el espaldarazo que necesitaba para consolidar un estilo basado en una estética andina."

Sanchez is best known as a muralist and has completed five major mural paintings - three in Peru and two in Germany. Sanchez painted murals in the catholic churches in Chongos Altos in 1973, in Morococha in 1982, and in the Convento de Ocopa in 1993. Marina Núñez del Prado's prescience of Sanchez's acceptance in Europe came to fruition when Sanchez traveled to Germany in 1983 to paint a mural in the church of the Holy Spirit in Aachen and later completed another mural in Germany in the church of Litzelstetten by the banks of Lake Konstanz. Sanchez has provided his work for commercial work as when he provided the cover for "Plantas en la Cultura Andina" published in Huancayo in 2000. Sánchez recently won the BBCMundo.com blogs contest. The winning work is called "Todavía No Pinto Canas", which won in the category for elderly people. "Todavía No Pinto Canas" won over 84 different works presented by other artists.

Sanchez has served as an inspiration for younger Peruvian artists like Daniel Pickens of Huancayo. "Mis abuelos coleccionaban pinturas de Josué Sánchez, el artista de los murales del monasterio de Ocopa. Crecí entre sus cuadros," says Pickens. "Entonces empecé a imitar sus trazos y colores, hasta que a pocos fui encontrando mis propias líneas", said Pickens in an interview in the Puruvian newspaper La Republica in July 2008.

Josué Sánchez: Artistic Origins, Inspiration, and Critique

Andean Worldview of Life, Customs and Popular Myths

Sanchez paints everyday life, customs, and popular myths from Andean life in Peru. "Yo me siento andino, pienso como andino y pinto como andino. Es algo que no puedo evitar," says Sanchez. "Más que un asunto de lealtad a mis orígenes, mi pintura es una forma de expresar este mundo andino que no es pasado, que está vivo y avanza, conquistando cada vez más espacios, y que no es sólo inca y preínca, sino pluricultural y mestizo." Sanchez primarily paints rural themes. "Es indudable que me siento más cercano a las tradiciones y costumbres rurales porque las he vivido desde adentro, como miembro de una comunidad andina," says Sanchez. "La cosmovisión andina es más moderna de lo que mucha gente cree, pues es una visión holística, integradora, armónica, en comunión con la naturaleza. Eso es lo que busco transmitir en mis cuadros."

Lima, the capital of Peru, has little attraction for Sanchez. "Lima es seductora en su centro histórico, en sus museos, en su vida cultural –el centralismo hace que sea así–; pero para vivir es un monstruo de mil cabezas, como decía Congrains," says Sanchez. "Huancayo es mi ciudad, amo su cielo azul, el olor de la tierra soleada y mojada de sus campos."

Artistic Critique of Sanchez

Critics of Sanchez's work like Manuel Baquerizo say that Sanchez strives to create a total composition using popular art forms where the art is characterized by the minimalist usage and perspective of carved gourds (mates burilados) amalgamating both local and universal values with Sanchez's conception of the native and western worlds. "Lo más importante, desde el punto de vista artístico, es que para configurar este desgarrado universo (donde se confrontan las concepciones del mundo nativo y occidental), el autor tuvo el gran acierto de transponer al arte culto y erudito el lenguaje y la forma del arte popular: la composición totalizadora, los planos superpuestos, las secuencias narrativas, la frontalidad y el uso mínimo de la perspectiva que caracterizan a los mates burilados; el colorido de los tejidos y la profusa imaginería de los bordados talqueados, amalgamando así valores locales y universales," says Baquerizo.

Use of Traditional Artesan Techniques of Carved Gourds

The fundamental characteristic of Sanchez's work is how it is rooted in the artesan work of the natives of Mantaro valley and regions of the South Andean world. "Josué Sánchez se apoya fundamentalmente en la técnica de los artesanos. Las líneas, los diseños y los colores encendidos y contrastantes de sus primeras pinturas están tomadas de las mantas y «pullukatas» que todavía suelen portar las campesinas en la espalda," says Baquerizo. Sanchez strives to show a total world view uncontaminated by the cities or western civilization. "El campesino y su horizonte ideológico aparecen en sus lienzos en estado casi virginal, no contaminados aún por las influencias de la urbe y la civilización occidental," says Baquerizo.

What Sanchez has done then is to create a vision of the Andean world translating the techniques and worldview of local artesans of carved gourds into the new medium of acrilic with its expanded pallet. "Trabajados en acrílico sobre tela y cartulina, sus colores preferidos (siempre bañados de una intensa luz solar, a la manera de Gauguin) son el violeta, el amarillo, el rojo y el azul," says Baquerizo. "El uso del espacio esférico, la composición totalizadora, la secuencia narrativa y figurativa, la yuxtaposición -engañosamente barroca- de temas, personajes y escenas, se inspiran evidentemente en los mates burilados, según lo ha admitido el propio autor, influencia que también se puede encontrar en la pintura de Hugo Orellana. Finalmente, los diseños de las viviendas se inspiran en la arquitectura rural."

Evolution of the Work of Josué Sánchez

Sanchez's work has evolved since his earliest work in the early 1970's when his goal was to depict an Andean vision of men and their permanent relation with plants and animals of the campo. Sanchez exalts the collective life, work, play, and ritual fiestas of the campesino in an existence that seems unalterable and infinite. "Podría decirse que son una celebración lírica de la naturaleza y de la vida elemental, donde los hombres desenvuelven su existencia en relación permanente con las plantas, los animales y el paisaje siempre inalterable e infinito. El artista exalta la vida colectiva, el trabajo, el juego y las fiestas rituales," says Baquerizo. "Por eso, su pintura tiene un entrañable sentido eglógico y un delicado toque de ternura. Sus primeros trabajos solían. captar solamente el lado amable y festivo de la vida campesina, sin caer por ello en el bucolismo. Con un imaginario plástico más rico y variado que el de los indigenistas, su pintura daba la impresión de ser una visión muy benévola y raramente patética."

Beginning in the 1980's when Peru was convulsed with the fight with Sendero Luminoso, Sanchez's work began to emphasize death and violence and presented an allegory of the massacres and genocide of thousands of the campensinos murderered and forgotten in clandestine burials. Although Sanchez's later work reveals more social conscience his techniques continue within the confines of magical realism. "Pero, en los últimos años, se ha acentuado en sus obras el sentimiento de la muerte y la violencia, según es de apreciarse, por ejemplo, en los lienzos titulados "Ayacucho" y "Selva trágica". Y, sobre todo, en los que ahora reproducimos, donde se alegoriza las matanzas, el genocidio y los entierros clandestinos," says Baquerizo. La pirámide en uno de los cuadros es una especie de monumento a los miles de campesinos asesinados. En otros cuadros podemos ver a los cuervos -los heraldos de la muerte- acechando a sus presas. Todo esto, expresado, naturalmente en el marco de una visión mítico-realista."

Personal Life

Sanchez is married to Diana Cassas. Sanchez was 52 years old when his son Alvarito was born. With his other children already grown up, Sanchez found it marvelous to have a young child in the household. "Tenía 52 años cuando nació Alvarito. Con mis otros hijos ya jóvenes, tener un niño a esa edad fue maravilloso. La casa se llenó de algarabía," says Sanchez. "Alvarito es un niño de esta época. Aprendió a manejar la computadora antes que Diana e igual pasó con el celular. Toca flauta y aprende a tocar violín. Quizás sea músico y haga realidad mi sueño, pues compone melodías cortas. Pero su ambición es ser arqueólogo. Le fascina Egipto y las culturas Chavín y Chachapoyas."

Sanchez remembers the idealism of the 60's with nostalgia. "Cuando se habla de los 60 siempre se recuerda que teníamos los cabellos largos y los pantalones anchos. Que nos veíamos como "Enrique el antiguo". Que oíamos música de Bob Dylan o de Palito Ortega," says Sanchez. "Pero la generación del 60 fue algo más que romántica en la música o en el gesto. Pacifista o revolucionaria, fue una generación con ideales de igualdad y justicia, una generación apasionada y tierna, que quería cambiar el mundo y hacerlo más solidario."

Josué Sánchez presenta una obra sobre la soledad en la cuarentena

El artista nacido en Huancayo nos muestra una pintura que alude al vacío de la ciudad producto del confinamiento y el distanciamiento social.

Josué Sánchez (Huancayo, 1945) presenta en la novena entrega de De Voz a Voz Perú una obra que alude a la soledad producida por el confinamiento.

by Jorge Paredes Laos Jorge Paredes Laos Editor de El Dominical

Lima, 30 de enero de 2021 Actualizado el 30/01/2021 01:43 p.m.

En los últimos meses, Josué Sánchez estuvo trabajando en Lima, lejos de su taller en Ocopa, donde tiene sus materiales, telas, bastidores, libros y cuadernos de apuntes. Y en sus cuadros recientes alude, justamente, a esa soledad y al cambio en las costumbres que la cuarentena nos ha impuesto. “La primera cuarentena —cuenta el artista— nos cogió a todos por sorpresa, nos puso inestables, y la ciudad cambió completamente: había un silencio extraño, nada se movía, había una soledad tremenda”.

Esa sensación de extrañeza lo llevó a pintar el cuadro que presenta al proyecto De Voz a Voz Perú, en el que a pesar que mantiene el color vivo que caracteriza a sus obras, por algunos resquicios de que se filtre lo gris, lo oscuro, como una amenaza. “Preferí adentrarme al mundo más interior de la ciudad —explica Sánchez—, la presencia del gris le da un tono de tristeza a la obra, a pesar del color fuerte. Hay escaleras que conducen a pasillos que no tienen fin, las puertas oscuras parecen llevarnos también a un vacío, y el único movimiento está representando por ese gatito negro, un animalito bastante mágico en la creencia de la ciudad. Después hay una carita de mujer (casi imperceptible) que es la única presencia humana en este mundo de soledad”.

Simbolos Prehispanics

En el cuadro destacan también algunos símbolos que recuerdan a la iconografía prehispánica y que son característicos en los cuadros y murales de Josué Sánchez, cuyos inicios en la escultura y la pintura se produjo a inicios de la década del setenta cuando, en la ya desaparecida escuela de Bellas Artes, de la Universidad del Centro. Ahí conoció al pintor Alejandro González Trujillo, Apu-Rimak, quien influiría notablemente en su trabajo pictórico.

“El enseñó durante cuatro años en la Escuela —cuenta Josué— y yo aproveché mucho sus enseñanzas, solíamos caminar por el campo, por la ciudad, él me encaminó a tener una visión de lo nuestro, de la parte prehispánica. Esa fue mi formación. Al egresar, empecé a hacer reproducciones de obras y de iconografía chavín, mochica; eso me dio cierta línea cadenciosa en el dibujo”.

Esta búsqueda por los orígenes lo llevó también a investigar la iconografía de los mates burilados y de los telares así como de las mantillas andinas usadas desde tiempos incas, en cuyos patrones o símbolos se esconde, lo que Sánchez denomina, “una escritura visual”. Sobre este tema tiene ya un libro bastante avanzado que espera publicar en los próximos meses. “Algunos estudiosos ya han logrado algo, pero sería maravilloso descifrar los significados de esos símbolos para encontrar frases y oraciones”, dice.

Es conocido también su trabajo como muralista de grandes espacios, sobre todo religiosos, como los de la iglesia de Chongos Alto (350 m2) y del convento franciscano de Santa Rosa de Ocopa (400 m2), ambos ubicados en la región Junín.

Un tiempo mítico

La obra de Josué Sánchez está no solo poblada de color, sino también de motivos andinos, de personajes cargados de simbolismos, herederos de ese tiempo mítico que él se encarga de traer al presente a través de su trabajo artístico. “El indigenismo nos abrió una puerta grande para trabajar lo nuestro —reflexiona— pero siempre se manejó como un esquema académico, de escuela, que introdujo al indio como personaje, como decía Sabogal. Pero también tenemos a González Trujillo, a Elena Izcue, quienes, creo, se adentraron un poco más y no se contentaron con llegar solo a la casa del campesino. Eso es lo que yo busco hacer, conocer y expresar el mundo interior de ellos, llegar hasta el fogón de las casas, profundizar en la vivienda rural, y expresar eso desde lo figurativo, lo abstracto o lo conceptual como se viene haciendo ahora. Es una visión diferente”. Entre sus varias investigaciones, es autor “Creencias mágico religiosas en la vivienda rural” (2009) y coautor de “Tradición y modernidad en la arquitectura del Mantaro” (2014).

En esa línea, Josué Sánchez ha empezado a trabajar una especie de bestiario con animales del Ande: el puma, el otorongo, el armadillo, animales a los que reviste de una iconografía que contiene eso que él mismo busca descifrar en los tokapus o telares andinos, mensajes ocultos de esos wiracochas milenarios, hacedores del mundo.

De colección

De voz a voz Perú es un proyecto desarrollado por el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y El Comercio, con el auspicio de Telefónica. Durante 21 semanas, diversos artistas presentarán una obra de colección.

Sobre uno de los más destacados artistas plásticos del Perú

Nelson Manrique ha dicho que “Josué Sánchez es uno de los artistas más cabales de la región central”. Dos mil pinturas trabajadas y expuestas aquí y fuera del país, muestran una vida dedicada al arte, dando testimonio de un profundo amor por sus raíces andinas y empeño por entender con claridad envidiable los valores serranos. Es uno de los pocos pintores con contenido, de los que entienden esos sentimientos que detienen y mueven a los que habitan ese Perú olvidado; unos atrapados en un profundo hoyo y otros con esas desesperadas ganas de salir adelante por voluntad propia, contra la voluntad de esas espaldas de quienes manejan y manejaron por tanto tiempo los destinos del país.

Manuel Baquerizo ha dicho que el arte de Josué se distingue porque representa la vida comunitaria indígena, legados prehispánicos, arte popular y tradiciones cristianas. La variedad de sus colores, a toda luz, es una de las características de cada uno de sus murales y composiciones que se encuentran en libros, revistas, iglesias y salones de todo tipo de edificaciones. Su inspiración cristiana se manifiesta en las escenas bíblicas pintadas en la iglesia de Chongos Alto y en las escenas del juicio final en la iglesia de Morococha. Su obra también llega a lugares tan inimaginables como a la Iglesia del Espíritu Santo, en Aachen, Alemania, a pocos kilómetros de Bruselas, en el mismo corazón de Europa. “Nada es regalado. Le hemos devuelto a Europa años de avasallamiento cultural”, nos dice.

Los murales de Josué son fiel calco de la vida cotidiana de la serranía y Amazonía; de gente trabajando feliz y unida, colaboradora y generosa, ocupada y productiva, donde no hay lugar para perezas y egoísmos, donde la peruanidad se palpa en los callos de las manos y en las mejillas cuarteadas por el sol y donde la vida colectiva es evidente.

De Josué se dice que es hombre cabal, de izquierda, coherente y comprometido, sin poses, vanidades y guaperías, auténtico hombre de pueblo, natural y sencillo como los personajes representados en sus obras, de personas laboriosas, incansables, madrugadoras y esforzadas en sus labores campesinas.

La magnífica obra de Josué también puede apreciarse en el Convento de Ocopa, en Concepción, a pocos kilómetros de Huancayo, en el Valle del Mantaro, lugar donde la orden de sacerdotes franciscanos construyó el centro desde el cual partieron misiones evangelizadoras rumbo a la selva central. Allí se ve, en toda su magnitud, la vida cotidiana del hombre y de la mujer de chacra, de los lugares más recóndito de un país todavía inocente, limpio, ingenuo, crédulo, infatigable y testarudo en su tarea y en su ideal.

El arte neo-figurativo andino y amazónico - acrílicos sobre lienzo, papel o muro - de Josué Sánchez, de alguna manera moldea una identidad por proteger contra las inclemencias de una modernidad que lo achica todo, que aplasta valores propios y que desprecia riquezas ancestrales.

Josué es huancaíno (1945) egresado de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional del Centro. Una monumental obra suya se expone en la Casa de la Lectura, en la antigua Estación Desamparados, en el corazón del Perú. Su sueño, nos ha dicho, es “un museo de arte popular en el Valle del Mantaro, para hacer que muchas obras dispersas se conozcan mejor y no se pierdan”.

About one of the most outstanding plastic artists of Peru

[Google translation of the previous article]

Nelson Manrique has said that “Josué Sánchez is one of the most accomplished artists of the central region”. Two thousand paintings worked and exhibited here and abroad, show a life dedicated to art, bearing witness to a deep love for his Andean roots and determination to understand mountain values ​​with enviable clarity. He is one of the few painters with content, of those who understand those feelings that stop and move those who inhabit that forgotten Peru; some trapped in a deep hole and others with that desperate desire to get ahead of their own free will, against the will of the backs of those who manage and managed for so long the destinies of the country.

Manuel Baquerizo has said that Josué's art is distinguished because it represents indigenous community life, pre-Hispanic legacies, popular art, and Christian traditions. The variety of his colors, in full light, is one of the characteristics of each of his murals and compositions that are found in books, magazines, churches and halls of all kinds of buildings. His Christian inspiration is manifested in the biblical scenes painted in the church of Chongos Alto and in the scenes of the final judgment in the church of Morococha. His work also reaches places as unimaginable as the Church of the Holy Spirit, in Aachen, Germany, a few kilometers from Brussels, in the very heart of Europe. “Nothing is given away. We have given Europe back years of cultural enslavement,” he tells us.

Josué's murals are a faithful copy of the daily life of the mountains and Amazon; of people working happily and unitedly, collaboratively and generously, busy and productive, where there is no room for laziness and selfishness, where Peruvian identity is felt in the calluses on the hands and on the cheeks cracked by the sun and where collective life is evident .

It is said of Josué that he is an upright man, of the left, coherent and committed, without poses, vanities and swagger, a true man of the people, natural and simple like the characters represented in his works, hard-working, tireless, early risers and hard-working people. peasant work.

The magnificent work of Josué can also be seen in the Convent of Ocopa, in Concepción, a few kilometers from Huancayo, in the Mantaro Valley, where the order of Franciscan priests built the center from which evangelizing missions departed for the central jungle. . There you can see, in all its magnitude, the daily life of farm men and women, from the most remote places of a country that is still innocent, clean, naive, gullible, tireless and stubborn in its task and in its ideal.

The neo-figurative Andean and Amazonian art - acrylics on canvas, paper or wall - by Josué Sánchez, somehow shapes an identity to protect against the inclemencies of a modernity that shrinks everything, that crushes its own values ​​and that despises ancestral riches.

Josué is from Huancaín (1945) graduated from the School of Fine Arts of the National University of the Center. A monumental work of his is exhibited in the Casa de la Lectura, in the old Estación Desamparados, in the heart of Peru. His dream, he has told us, is "a popular art museum in the Mantaro Valley, to make many scattered works better known and not lost."

Todavía no pinto canas

October 31, 2006

Concurso de Blogs

BBC Mundo redacción

El pintor Josué Sánchez concluye su blog para BBC Mundo evocando la generación de los 60 y el sentido de la amistad, como un "diálogo sin fronteras, abierto y cálido".

Así fue su blog durante dos semanas, abierto a la participación de lectores de todo el mundo.

Josué Sánchez, de 61 años, ganador del concurso de blogs que BBC Mundo convocó con motivo del Día Internacional de las Personas Mayores, se despide en su última entrega sintiéndose "más joven que nunca".

LA GENERACIÓN ROMÁNTICA: VIVIENDO EN CLAVE "TIK"

La amistad es algo maravilloso. A veces llega envuelta en un halo de fantasía como sucedió con James, otras se forja en el trabajo y en los ideales, en ocasiones surge como un consuelo en la hora mala; pero siempre llega para quedarse en el corazón, y se vive como una fiesta inolvidable a la que todos están invitados.

La amistad es un diálogo sin fronteras, abierto y cálido. Así la he sentido venir de ustedes, amigos, en estos días. Como aquella noche en que Sergio, un amigo poeta, y yo, decidimos detenernos a tomar un calientito en un kiosco ambulante.

La noche relumbraba de estrellas, pero el frío era helado.

Llevábamos unos minutos allí, cuando llegó un amigo músico, con su mandolina. "Siéntate -le dijimos-, sírvete un calientito y dedícanos una pieza".

De pronto, en el kiosco vecino, un hombre que llevaba un saxofón se levantó y empezó a tocarlo. "¡Buena! -exclamamos, batiendo palmas-. Un calientito para el vecino también".

En ese momento, llegó un guitarrista que conocíamos y mirando de soslayo al saxofonista, comentó: "Está buena la competencia".

"Es cosa de demostrarlo", respondió sonriendo el mandolinista.

La generación del 60 fue una generación con ideales de igualdad y justicia, una generación apasionada y tierna, que quería cambiar el mundo y hacerlo más solidario. Así, poco a poco, se formó un contrapunto de sonidos y voces. Todo el que llegaba a tomar un calientito empezaba a cantar.

A las 12 de la noche ya éramos una multitud alegre y danzante, los dueños de las casas vecinas también se habían incorporado a la fiesta. Bailamos y cantamos hasta el amanecer.

Fue una noche insólita e interminable. Una noche amable, ausente de desconfianza, feliz, sencilla, plena.

Así es la amistad. Un diálogo sin fronteras, abierto y cálido. Así la he sentido venir de ustedes amigos en estos días. Y así era también en los 60.

Cuando se habla de los 60 siempre se recuerda que teníamos los cabellos largos y los pantalones anchos. Que nos veíamos como "Enrique el antiguo". Que oíamos música de Bob Dylan o de Palito Ortega.

Pero la generación del 60 fue algo más que romántica en la música o en el gesto. Pacifista o revolucionaria, fue una generación con ideales de igualdad y justicia, una generación apasionada y tierna, que quería cambiar el mundo y hacerlo más solidario.

"Tarukas conversando"

Ése es el legado de nuestras culturas originarias. El conocimiento de que no estamos solos; somos una comunidad de seres. Éramos jóvenes que "no queríamos hacer el sordomudo", como cantaba Violeta Parra. Queríamos una sociedad más humana.

Ayer Diana comentó en su programa de radio -es una apasionada locutora-, un texto del pensador uruguayo Eduardo Galeano. El autor relata que en una reunión de la comunidad maya Tzeltal, a la que un amigo suyo asistió en 1972, la palabra más usada era tik.

En medio de la conversación se decía tantas veces tik, que al amigo de Galeano le sonaba como lluvia loca. Él sabía que la palabra más frecuente en todas las lenguas es "yo". Pero tik, la palabra más usada en esa comunidad maya, significa "nosotros".

Ése es el legado de nuestras culturas originarias. El conocimiento de que no estamos solos; somos una comunidad de seres, como diría Galeano, "en clave tik".

Estas dos semanas que he compartido con ustedes lo he sentido así y me he sentido más joven que nunca, como en los 60. Gracias Diana, compañera de ésta y tantas otras travesías, te pintaré de colores, como me encargan. Gracias BBC Mundo. Gracias Sergio, del mismo nombre que mi amigo poeta, ¡qué sería un día sin mexicanos!... Y sin tanta gente buena y generosa en el mundo, como ustedes, amigos. Como dice Alvarito al terminar cada programa: Hasta muy pronto. Cuídense mucho.

Llegó con la melena rubia y el bléiser azul que pronto nos acostumbraríamos a ver. Vino por una semana y se quedó más de tres años.

El día que conocimos a James despedíamos a Sigi, un amigo alemán que regresaba a su país con su familia después de ocho años. Casualmente nos visitaba también una francesa. Seguramente con tanto europeo en casa se sintió cómodo, y fue por eso que regresó otro día, y luego otro. Más tarde nos preguntó si podíamos alquilarle una habitación. Así, se fue quedando.

Primero fue sólo cosa de pintar; pero meses después, Ilse y Bernard, un matrimonio de voluntarios amigos nuestros -austríaca ella, suizo él- fueron a visitarnos para anunciarnos que pronto regresarían a Europa, y entonces surgió la idea de escribir un libro antes de que partieran.

Tal vez fue que las distintas visiones norte-sur y las diferencias de orientación profesional lo enriquecieron. Pero el mayor mérito del libro fue forjar una amistad sólida entre nosotros, aún en la distancia. Una noche, Bernard llamó para decir que el siguiente sábado se iría a Suiza por una semana. Era miércoles, pero sin pensarlo dos veces, decidimos que llevaría el proyecto. El lunes siguiente, el proyecto estaba aprobado.

Así empezamos a estudiar las plantas. Pronto nos dimos cuenta de lo difícil que sería. Sólo Ilse y Bernard eran agrónomos. El campo de Diana es el comercio exterior; el mío, la cultura andina; James no sólo había estudiado arte, sino además filosofía y medicina alternativa. Pero no había un solo biólogo o botánico entre nosotros. Tuvimos que aprender aceleradamente. Hicimos investigación de campo, leímos mucho. Trabajamos día y noche.

Fue entonces cuando surgieron las discrepancias. Europa y Perú se confrontaron. Tuvimos discusiones memorables.

Fue un representante de la financiera quien nos enrumbó. A mediados del 2000 el libro estaba terminado. El día de la presentación nos sentimos liberados.

"Plantas en la cultura andina" tuvo gran aceptación en los medios especializados. Tal vez fue que las distintas visiones norte-sur y las diferencias de orientación profesional lo enriquecieron. Pero su mayor mérito fue forjar una amistad sólida entre nosotros, aún en la distancia.

Después de ver sus dos escudos de armas, los restos del castillo familiar y su enorme casa en el norte de Inglaterra, nos preguntamos: ¿qué hacía con nosotros?

James se quedó dos años más, pintando. Al principio sus colores eran de tonalidades frías; un día, cruzó con un violento amarillo una pintura, así pudimos ver cuánto estaba sintiendo el color y el calor del sur.

Fue realmente un tiempo abrigado, algunas noches encendíamos el fuego en una cabaña que tenemos al costado de la casa, tocábamos guitarra y cantábamos.

Aludiendo a su talla, 2,05 metros, Ilse solía decir que debía ser un noble. Él contestaba que lo decía por ella misma. Un día, mientras censuraba a Diana por su acento al hablar inglés, ella molesta le contestó refiriéndose al célebre colegio inglés: "Bueno, yo no he estudiado en Eton".

Fue una sorpresa para todos cuando él increíblemente contestó alarmado: "¿Cómo lo has averiguado?"

Así, poco a poco, fuimos enterándonos que teníamos un principito inglés en casa. Cuando luego de uno de sus viajes regresó con un libro acerca de su familia y su histórico pueblo, supimos que lo era. Después de ver sus dos escudos de armas, los restos del castillo familiar y su enorme casa en el norte de Inglaterra, nos preguntamos: ¿qué hacía con nosotros?

Tal vez simplemente soñar y jugar un poco. Como en esa ocasión de fines del 2000 cuando nos tomamos esa "antigua" foto, para perennizar la época cuando el príncipe pintor llegó del frío.

LA ALEGRÍA DE SER PADRE

Pintura: Urunchikunahuan. Así son nuestros niños (detalle).

Muchas gracias amigos. Sus comentarios han sido como rayos de sol para mí.

Como el sol de la mañana llegaron también mis hijos.

Nunca le he dicho a Betzabé con cuánta ilusión esperé su nacimiento. Cuando la vi tan pequeñita y frágil me llené de ternura. Ligada al campo, como yo, escogió ser ingeniero agrónomo y hoy transmite su amor a la tierra a sus dos niños.

Cuando llegó Guillermo pensé en las largas caminatas que daríamos juntos por los pueblos de nuestra sierra. Quizás por eso le gustó el ciclismo de montaña. Es un destacado deportista, y tal vez también lo será Avril, su hijita de meses.

"Así era el mundo andino cuando ellos nacieron".

Consentida por todos, María Friné jugó desde pequeña con todas mis pinturas. Llenó de colores las paredes de la casa y cuando creció, estudió restauración de pintura mural. Hoy empieza a abrirse paso en el difícil mundo del arte.

Pensando en ellos pinté Urunchikunahuan. Así son nuestros niños, un cuadro en el que ellos juegan felices rodeados de chacras de mil colores, dueños del mundo y de su destino.

Así era el mundo andino cuando ellos nacieron. Todas las casas estaban abiertas a los niños, todos los protegíamos. La familia y la comunidad eran el centro de nuestras vidas. Los niños crecían seguros y libres.

Después, el mundo se fue haciendo cada vez más "ancho y ajeno", como diría el gran escritor peruano Ciro Alegría. La televisión trajo otras costumbres, otros valores. La aldea se hizo global, pero el desarrollo de las telecomunicaciones que lo hizo posible y que puede servir para acercarnos, como en esta ocasión, despersonalizó las relaciones.

Tenía 52 años cuando nació Alvarito. Con mis otros hijos ya jóvenes, tener un niño a esa edad fue maravilloso. La casa se llenó de algarabía. Es un niño de esta época. Aprendió a manejar la computadora antes que Diana e igual pasó con el celular.

Aún así, Alvarito se anunció a la manera mágica andina, en un cocaquinto y en una reunión fraterna.

Era un día especial. Estábamos reunidos junto al río haciendo un 'pago' a la Pachamama, la madre tierra, para agradecerle por el nuevo libro de un amigo de toda la vida. Fue cuando, entre las hojas de coca de la ofrenda, yo encontré una hoja pequeñísima, completamente entera, y al mostrarla a la señora que dirigía el 'pago', ésta anunció alborozada que un bebé venía en camino.

Aún recuerdo el comentario de Juan José, un distinguido antropólogo, cuando saqué del bolsillo la ecografía que una hora antes le habían hecho a Diana. Habíamos guardado la sorpresa para después, demasiado emocionados al saber que esperábamos un hijo luego de tres años de casados. "Caramba -dijo Juan José-, yo sabía de esto, pero es la primera vez que lo veo".

Tenía 52 años cuando nació Alvarito. Con mis otros hijos ya jóvenes, tener un niño a esa edad fue maravilloso. La casa se llenó de algarabía.

Alvarito es un niño de esta época. Aprendió a manejar la computadora antes que Diana e igual pasó con el celular. Toca flauta y aprende a tocar violín. Quizás sea músico y haga realidad mi sueño, pues compone melodías cortas. Pero su ambición es ser arqueólogo. Le fascina Egipto y las culturas Chavín y Chachapoyas.

Hace casi tres años tuvo la ocurrencia de pedirle un programa al director de la radio en la que Diana trabajaba como voluntaria. Desde entonces, con guiones de su madre, es la voz de "Llaves para tu imaginación", un microprograma radial sobre cultura andina y valores.

Como dice una de mis estudiantes de arte, Alvarito es "un niño con experiencia". La necesita en esta época que le ha tocado vivir.

CUADROS QUE HABLAN

Escribir para mí no es fácil. Yo no escribo, pinto. Hoy mis cuadros hablarán por mí.

Pasé mi infancia conversando con las plantas, con las aves, con las piedras que cobijan a los grillos y con las criaturas vestidas de harapos que llaman espantapájaros.

A los cinco años me llevaron de la ciudad al campo y pasé mi infancia conversando con las plantas, con las aves, con las piedras que cobijan a los grillos y con las criaturas vestidas de harapos que llaman espantapájaros.

Nunca comprendí el por qué de su nombre, si con sus manos de paja dan de comer a los pajarillos y bajo sus sombreros de fieltro anidan los huevos.

Así los he pintado, incapaces de asustar, a diferencia de mi vecino, el viejo Don Gregorio, que sólo depositaba su ternura en el gallo orgulloso que acompañaba su soledad. Los niños lo mirábamos de reojo, con temor, creíamos que era el guardián del manantial que corría al costado de la chacra de mi abuelo.

Los cuentos de las noches de mi infancia viven aún en el recuerdo de la voz emocionada de mi madre. Ahí cobraban vida don Antonio Atoj, el zorro, y Diguillo Ucucha, el cuy, más listo que el zorro. Negándose a descansar, aventura tras aventura, ellos jugaban sobre mi almohada de niño hasta el amanecer.

No soy yo, le decía a mi madre, son ellos los que no quieren irse a dormir. Afuera, los gatos de la tía Simeona peleaban mientras yo me juraba que algún día los atraparía. Negros, encorvados, listos para escapar al menor descuido, están encarcelados ahora en los lienzos que pinto para fastidiar a los pintores.

Mientras, la chismosa de Manuela, mi compañera de la infancia, lo observaba todo, lo oía todo. También a ella debía asustarle el condenado que vagaba trasnochando su mala vida por el mundo de abajo, el Ukupacha.

Ahí, en las historias de mamá, estaba también el amaru, la serpiente cargada de presagios que en los 80 cayó como un rayo sobre el Perú con los colores de la muerte.

Entonces vi cómo acechados por serpientes, osamentas y miedos, los niños encubrieron su tristeza con globos de colores y aprendieron a vivir entre negros charcos de dolor, escondidos tras caretas para no ver cara a cara a la muerte y sus ultramarinos ojos azul profundo, ciegos.

El color de la selva amazónica peruana es muy distinto. La verde azul floresta es mágica y deslumbra. Me perdí tres meses allí. A orillas de los ríos Ene y Apurímac, los nativos machiguengas y asháninkas llenaron mi cabeza de imágenes fantásticas.

Así como el río narra la historia en cada estación, en cada crecida, así fluían sus tradiciones alrededor de las fogatas en medio de la espesura llena de los sonidos de las chicharras, los jaguares, los loros, las mariposas, los otorongos, las serpientes de bocas sagradas que guardan el secreto ancestral de los que viven en la selva enajenados por el aroma de las orquídeas, el palorosa, los bejucos y el diablo fuerte.

Con esos colores y esas historias cubrí 400 metros cuadrados de muro en el Convento Franciscano de Santa Rosa de Ocopa en 1993. Vida para el Dios de la vida.

Tiempo atrás, otro mural en la iglesia de Chongos Alto, también en Perú, me había abierto las puertas de Europa. Tengo dos murales en el Santuario de MISSIO y la Iglesia del Espíritu Santo en Aachen, y otro en Litzelstetten, a orillas del Lago Konstanz, en Alemania. Pero Europa es otra historia.

Tengo 61 años, pero aún no pinto canas y me siento gloriosamente joven. La juventud es un estado mental, por eso aunque se me pusieron los pelos de punta cuando me enteré que escribiría un blog en BBC Mundo, terminé aceptando.

Claro que entonces apenas tenía una vaga noción de lo que era un blog -internet siempre me ha puesto nervioso-; pero después de encantarme leyendo a Khabiria -bloggera de Venezuela- y los consejos de Hernán Casciari, trataré de no defraudarlos.

De niño vivía cerca de una fábrica de tejas que nos daba una propina a los niños por trabajar en terracota pequeñas esculturas de toros, leones e iglesias que la fábrica obsequiaba a sus clientes. Era divertido hacerlas. Nada de esto fue idea mía. Se le ocurrió -¡cuándo no!- a Diana, mi esposa. Le fascina participar en concursos. Fue ella la que escribió a BBC Mundo con la esperanza de dejar de ser mi "secretaria ad honorem", como suele decir cuando utilizamos Internet.

Nunca me propuse ser pintor, en realidad soy escultor, pero hubiera querido ser músico. Ingresé al Conservatorio, pero mi madre enfermó gravemente y tuve que dejarlo para cuidarla.

Para no perder el tiempo me matriculé en la Escuela de Bellas Artes de Huancayo, mi ciudad, en Perú. Siempre estuve ligado al arte.

De niño vivía cerca de una fábrica de tejas que nos daba una propina a los niños por trabajar en terracota pequeñas esculturas de toros, leones e iglesias que la fábrica obsequiaba a sus clientes. Era divertido hacerlas.

Otra cosa que debió influir fue la afición de mi madre a urdir mantas. Yo le ayudaba a seleccionar los hilos. Así aprendí a armonizar los colores.

La Escuela de Bellas Artes sólo tenía 18 alumnos y únicamente dos estudiábamos escultura. Eso suponía una desventaja frente a las bromas de los estudiantes de pintura, pero nos dejaba dueños del taller de escultura y lejos de la pintura académica de corte occidental que se practicaba entonces.

Un año antes de terminar los estudios de arte hice mi primera exposición de pintura. Entonces me preguntaron por qué pintaba y, un poco en serio un poco en broma, contesté que era por fastidiar a los pintores.

Fue haciendo un estudio de una escultura pre-inca, que se me ocurrió ponerle color al dibujo. Cuando le mostré el resultado a mi maestro, el pintor Alejandro Gonzáles Trujillo, éste elogió mi trabajo y me alentó a seguir experimentando.

Un año antes de terminar los estudios de arte hice mi primera exposición de pintura. Entonces me preguntaron por qué pintaba y, un poco en serio un poco en broma, contesté que era por fastidiar a los pintores.

Lograr un nombre no fue fácil. Aún recuerdo mi primera exposición importante en Lima. Ahí estaba yo, pretendiendo ignorar las acerbas críticas de los profesores de la Escuela de Bellas Artes de Lima invitados por la galerista, que encontraban insoportables mi pintura plana y el restallante colorido de mis cuadros, cuando para sorpresa de todos entró la famosísima escultora boliviana Marina Núñez del Prado, a quien yo sólo conocía por las fotos de los diarios. Mudo de la emoción, apenas atiné a balbucear unas palabras cuando ella acercándose me dijo en voz alta: "Felicitaciones, esta exposición en París hoy, sería un boom". Fue un momento glorioso. ¡Sí que fastidié a los pintores! Y fue el espaldarazo que necesitaba para consolidar un estilo basado en una estética andina.

Marina Núñez del Prado también me dijo entonces que sólo un arte con identidad puede ser universal. Cuando hablo con mis jóvenes alumnos de arte siempre les repito eso.

Josué Sánchez y el rescate de los Andes

Viernes, 03 de octubre de 2014 | 4:30 am

MITO Y REALIDAD. El artista huancaíno inaugura esta noche la muestra “Dioses y hombres de los Andes”, en el Centro Cultural Ccori Wasi de la Universidad Ricardo Palma. Pedro Escribano

Ha llegado a Lima con los amarus, la runa mula, los condenados y otros mitos y visiones del mundo andino, aquellas que le llegan desde los tiempos inmemoriales, pero también la que, con sus ojos de artista, recoge en la cotidianidad de los pueblos del valle del Mantaro.

Josué Sánchez Cerrón es el artista huancaíno que ha logrado, a su manera, lo que José María Arguedas –con quien tuvo amistad– buscaba con su literatura: rescatar la cultura andina, en el caso de Sánchez Cerrón, de la sierra central de nuestro país.

Después de mucho tiempo, el artista huancaíno presenta una muestra grande en Lima. Hoy inaugura “Dioses y hombres de los Andes” en el C.C. Ccori Wasi, de la Universidad Ricardo Palma, una serie de acrílicos en diversos formatos.

“Hace poco expuse en el Cusco, pero en Lima desde un buen tiempo no había hecho una muestra así. Sin duda, este paso es un desafío para mi arte y mi persona”, explica Sánchez. Los lienzos de este autor están poblados de personajes, escenas y mitología, no solo andina, sino también de referencias amazónicas, ceja de selva. Pero el afán del artista no es geográfico, de ilustrador. Sus contenidos son más profundos.

“En realidad, intento buscar la esencia de la filosofía, el pensamiento andino, la otra orilla, la que se contrapone a la filosofía occidental”, detalla sobre su arte. Y es verdad, quien mira el universo de la pintura de Sánchez Cerrón no puede quedarse solo en sus vinculaciones con lo popular.

En su obra hay un trasfondo que tiene que ver con el mundo prehispánico (en diálogo contemporáneo), de allí los amarus, los mitos; también la vida campesina y la iconografía de sus telares y sus mates burilados, asimismo el avance del mundo urbano y mitos modernos (como se apreciaba en el mural que había y que incomprensiblemente han derruido en Huancayo).

Por eso suscribimos lo que a propósito de esta muestra el crítico de arte Alfonso Castrillón dice cuando niega que la pintura de Josué Sánchez es “naif”, como algunos han querido verla. El crítico desvirtúa esta etiqueta y señala que la técnica del artista “echa mano a procedimientos modernos como los de sus fondos chorreados” y, a nivel de temas, campea la muerte y se nutre de personajes literarios (Arguedas, Rulfo, etc.) o recrea episodios de la guerra sucia.

“No, Sánchez no es un pintor ‘naif’, es un pintor informado que se nutre conscientemente de la cultura de su pueblo”, enfatiza Alfonso Castrillón. Y aquí, nada más oportuno que citar la lectura que hace Gonzalo Portocarrero de la obra del artista: “La propuesta estética de Josué Sánchez está dominada por un impulso idealizador. Se trata de mostrar la realidad en sus momentos más plenos y afirmativos. Aquellos donde parece dominar la felicidad y la reafirmación de la vida. Son las imágenes del mundo campesino marcado por la fiesta, el goce y la cooperación”.

Esa es la vitalidad que hay en el color y dibujo de los trabajos de este pintor.

De Voz a Voz Perú 09: Josué Sánchez presenta una obra sobre la soledad en la cuarentena

El artista nacido en Huancayo nos muestra una pintura que alude al vacío de la ciudad producto del confinamiento y el distanciamiento social.

Jorge Paredes Laos

Editor de El Dominical

Lima, 30 de enero de 2021

En los últimos meses, Josué Sánchez estuvo trabajando en Lima, lejos de su taller en Ocopa, donde tiene sus materiales, telas, bastidores, libros y cuadernos de apuntes. Y en sus cuadros recientes alude, justamente, a esa soledad y al cambio en las costumbres que la cuarentena nos ha impuesto. “La primera cuarentena —cuenta el artista— nos cogió a todos por sorpresa, nos puso inestables, y la ciudad cambió completamente: había un silencio extraño, nada se movía, había una soledad tremenda”.

Esa sensación de extrañeza lo llevó a pintar el cuadro que presenta al proyecto De Voz a Voz Perú, en el que a pesar que mantiene el color vivo que caracteriza a sus obras, por algunos resquicios de que se filtre lo gris, lo oscuro, como una amenaza. “Preferí adentrarme al mundo más interior de la ciudad —explica Sánchez—, la presencia del gris le da un tono de tristeza a la obra, a pesar del color fuerte. Hay escaleras que conducen a pasillos que no tienen fin, las puertas oscuras parecen llevarnos también a un vacío, y el único movimiento está representando por ese gatito negro, un animalito bastante mágico en la creencia de la ciudad. Después hay una carita de mujer (casi imperceptible) que es la única presencia humana en este mundo de soledad”.

En el cuadro destacan también algunos símbolos que recuerdan a la iconografía prehispánica y que son característicos en los cuadros y murales de Josué Sánchez, cuyos inicios en la escultura y la pintura se produjo a inicios de la década del setenta cuando, en la ya desaparecida escuela de Bellas Artes, de la Universidad del Centro. Ahí conoció al pintor Alejandro González Trujillo, Apu-Rimak, quien influiría notablemente en su trabajo pictórico.

“El enseñó durante cuatro años en la Escuela —cuenta Josué— y yo aproveché mucho sus enseñanzas, solíamos caminar por el campo, por la ciudad, él me encaminó a tener una visión de lo nuestro, de la parte prehispánica. Esa fue mi formación. Al egresar, empecé a hacer reproducciones de obras y de iconografía chavín, mochica; eso me dio cierta línea cadenciosa en el dibujo”.

Esta búsqueda por los orígenes lo llevó también a investigar la iconografía de los mates burilados y de los telares así como de las mantillas andinas usadas desde tiempos incas, en cuyos patrones o símbolos se esconde, lo que Sánchez denomina, “una escritura visual”. Sobre este tema tiene ya un libro bastante avanzado que espera publicar en los próximos meses. “Algunos estudiosos ya han logrado algo, pero sería maravilloso descifrar los significados de esos símbolos para encontrar frases y oraciones”, dice.

Es conocido también su trabajo como muralista de grandes espacios, sobre todo religiosos, como los de la iglesia de Chongos Alto (350 m2) y del convento franciscano de Santa Rosa de Ocopa (400 m2), ambos ubicados en la región Junín.

Un tiempo mítico

La obra de Josué Sánchez está no solo poblada de color, sino también de motivos andinos, de personajes cargados de simbolismos, herederos de ese tiempo mítico que él se encarga de traer al presente a través de su trabajo artístico. “El indigenismo nos abrió una puerta grande para trabajar lo nuestro —reflexiona— pero siempre se manejó como un esquema académico, de escuela, que introdujo al indio como personaje, como decía Sabogal. Pero también tenemos a González Trujillo, a Elena Izcue, quienes, creo, se adentraron un poco más y no se contentaron con llegar solo a la casa del campesino. Eso es lo que yo busco hacer, conocer y expresar el mundo interior de ellos, llegar hasta el fogón de las casas, profundizar en la vivienda rural, y expresar eso desde lo figurativo, lo abstracto o lo conceptual como se viene haciendo ahora. Es una visión diferente”. Entre sus varias investigaciones, es autor “Creencias mágico religiosas en la vivienda rural” (2009) y coautor de “Tradición y modernidad en la arquitectura del Mantaro” (2014).

En esa línea, Josué Sánchez ha empezado a trabajar una especie de bestiario con animales del Ande: el puma, el otorongo, el armadillo, animales a los que reviste de una iconografía que contiene eso que él mismo busca descifrar en los tokapus o telares andinos, mensajes ocultos de esos wiracochas milenarios, hacedores del mundo.

De voz a voz Perú es un proyecto desarrollado por el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y El Comercio, con el auspicio de Telefónica. Durante 21 semanas, diversos artistas presentarán una obra de colección.

Muralista Josué Sánchez inaugura exposición en C. C. de Lluvia Editores

11 Mar 2020 | 12:10 h

El muralista Josué Sánchez inaugura una muestra que reúne sus pinturas en formato pequeño. La actividad es hoy, a las 7:30 p.m., en el Centro Cultural de Lluvia Editores (Calle Mariano de los Santos 103, of. 2020, San Isidro). El ingreso es libre. Contará con la participación de Zein Zorrilla. Va hasta el 15 de mayo.

Josué Sánchez, dibujante y maestro del color, exhibe sus pinturas en pequeñas dimensiones. Estas muestran la esencia y la creatividad del artista. Según la crítica, tiene una influencia del arte popular y el minimalismo, donde hay una raíz claramente andina.

Desde hace más de 30 años, Sánchez es considerado también uno de los ilustradores más solicitados por casas editoriales. Sus trabajos han sido reproducidos en libros de autores nacionales y extranjero. Pero es conocido por su pintura mural. Sus murales, de gran extensión, se encuentran en centros culturales e instituciones como la Casa de la Literatura, el Lugar de la Memoria, el monasterio de Santa Rosa de Ocopa en Huancayo, entre otros.

Josué Sánchez, un artista entre lo mítico y la modernidad

Artista inaugura muestra el viernes 21 de octubre en Arte Más Galería, calle Mariano Odicio 282, Miraflores. 7: 30 p. m. Ingreso libre.

Otra vez están en una galería de Lima la belleza de sus amarus, la sigilosa presencia de sus zorros, sus condenados, como la Runamula. También los Apus, los alkos, una serie de mitos y visiones del mundo andino. Pero todo eso, en la pintura de Josué Sánchez Cerrón, solo es la visión de una orilla, la de los tiempos inmemoriales. En la otra orilla, la nutrida desde nuestros tiempos, está la vida cotidiana de sus gentes, las violentas transformaciones urbanas, los cambios y dramas sociales. Es decir, el avance y las secuelas de la vida moderna en los Andes peruanos. En ese sentido, el artista huancaíno, intenta, a su manera, lo que José María Arguedas también intentaba con su literatura: rescatar la cultura andina ante el vértigo de la modernidad.

Josué Sánchez (Huancayo, 1945) ha venido recreando el mundo andino, sobre todo del Valle del Mantaro, en el marco de sus tradiciones y concepciones míticas, como el mundo tripartito del Hanan Pacha (mundo de arriba), Kay Pacha (mundo presente) y Uku Pacha (mundo de abajo). En esa visión está la aldea, con sus casas de tejados rojos o techo de paja, la feria pueblerina, la vida y costumbres campesinas.

Pero esa realidad ha ido cambiando y los pinceles del artista, atentos y sensibles, como sismógrafos, han recogido esas mutaciones. En la pintura de Sánchez Cerrón ahora también podemos apreciar espacios urbanizados, industrializados, acentuados en la profusión de líneas rectas y figuras cuasigeométricas. Y sin embargo allí, entre esos edificios, trazados en abstracción -que guardan iconografía inca-, siguen transitando alkos y amarus. Es decir, lo mítico subsiste. Pero llama la atención que las serpientes y los perros estén pintados de negro (¿acaso, como también en algunas acuarelas en chorreado negro, el artista quiere graficar la muerte en estos años de pandemia?).

Esa es la pintura de Josué Sánchez, sin dejar de ser leal a la tradición y cultura popular, asume la modernidad. Es otro, pero al mismo tiempo es el mismo. Lo mítico persiste.

La muestra se inaugura el viernes 21 de octubre en Más Arte Galería, calle Mariano Odicio 282, en Miraflores. La cita es a las 7: 30 p. m. Ingreso libre. La muestra estará abierta al público desde el 21 de octubre hasta el 18 de noviembre, de lunes a sábado, de 11 a. m. a 7 p. m.

Josué Sánchez: “La modernidad me ha dado nuevos contenidos”

El artista huancaíno, que tiene murales en el Lugar de la Memoria, Casa de la Literatura Peruana y el Museo de Arte Contemporáneo, ahora exhibe la muestra “Mito y modernidad”, en Miraflores. En sus trabajos se ensambla la cosmovisión andina con la impronta de los nuevos tiempos.

Pedro Escribano

Mucho de las líneas, colores y formas que hay en su pintura, han sido recogidos de las mantillas y los mates burilados del Valle del Mantaro. Incluso, la intensidad de sus colores, también le debe a la luz de este valle. El artista Josué Sánchez (Huancayo, 1945), que en cuya casa conserva una silla de Arguedas y que, además, ilustró la traducción de Dioses y hombres de Huarochirí, del mismo Arguedas, actualmente presenta la muestra “Mito y modernidad” en la galería Más Arte, en Miraflores. Reúne una serie de acrílicos y dibujos en que aflora una cosmovisión andina y amazónica, ahora no ajena a la modernidad.

“Sybila Arredondo, que trabajaba en en la Universidad del Centro, en Huancayo, a finales de los años 60, cuando se vino a Lima, me dijo: ´quédate con la silla, guárdatela. Ella también me propuso, para la editorial Siglo XXI, ilustrar Dioses y hombres... Esa fue la primera pintura que me pagaron”, cuenta el artista.

El arte de Josué Sánchez, desde su concepción popular, dialoga con una visión del país de “todas las sangres”. No es gratuito que sus murales luzcan en las paredes de El lugar de la Memoria, en la Casa de la Literatura Peruana y en el Museo de Arte Comtemporáneo, solo para citar los de Lima.

¿De dónde viene tus colores planos?

Eso también viene por influencia de Alejandro González Trujillo, “Apu-Rimak”, con quien trabajé y fue mi maestro. Íbamos a los museos y él me indicaba un poco ese sentir de trabajar la línea, la forma, los colores planos. Me decía que había que buscar algo nuestro, que tenga una identificación peruana, andina. Y la única forma era trabajar con los restos arqueológicos, prehispánicos, básicamente cerámica y textiles. Yo dibujé bastante sobre eso, copiaba a los chavín, mochica, chimú, pero también trabajaba con los dibujos de las artes populares, que tienen las misma estructura. Eso dio a lugar a la búsqueda de una estética mucho más nuestra. Cuando salí de la escuela, investigué mucho el arte prehispánico y las artes populares, hasta hice un taller de mate burilados.

Y en contenido, ¿cómo así ensamblas lo mítico en tu visión cotidiana popular?

Por un lado, han sido mis lecturas y, por otro, las festividades de las comunidades a donde yo iba. Allí escucha las historias, cuentos, mitología, leyendas de la zona. Todo eso, con mis lecturas, se complementaban. Pero sobre todo Dioses y hombres de Huarochirí. Ese libro es una biblia andina.

También está lo mágico y religioso.

Eso siempre me ha interesado y lo he ido graficando. Bueno, es porque mi padre fue pastor protestante. Entonces, yo de niño iba con él a todo sitio. Y como niño, tenía la ventaja de meterme en las casas de los feligreses, pues me permitían ingresar a la cocina, corredores, corrales, allí encontré muchas veces sus huacas. Ellos, cuando iban a la iglesia, llevaban escondidos sus íconos de la lluvia, siembra y cosecha, los hacían bendecir y a la vuelta, en sus casas, hacían su rito a la Pachamama.

Has recreado también la selva…

Sí, mi padre, aparte de pastor que iba por los pueblos, también tenía una chacra en la selva. Yo pasaba todas mis vacaciones allí. Y a veces en las noches me iba con los nativos, machiguengas, asháninkas. Me quedaban conversando y siempre narraban cuentos y mitos. Allí los ríos, los árboles, todo tiene una explicación.

No has caído en lo folclórico, pero sí hay una fuerza neoindigenista en tu pintura.

A mí me encanta el indigenismo, con Sabogal a la cabeza. Pero bueno, cuando conversaba con Apu-Rimak, quien estuvo junto con los indigenistas, me hablaba mucho sobre ese tema, lo floclórico. Sostenía que no hay que quedarnos en el paisaje, en la fotografía. Hay que meternos hasta la cocina, al fogón, estar con ellos, sentir la presencia de ellos y que de eso salga una obra, que puede ser, incluso, una pintura abstracta, neofigurativa o figurativa. Actualmente hay una gran mayoría que se queda en lo figurativo como, por ejemplo, los concursos de pintura rápida.

¿Y cómo fue en tu caso?

Yo empecé a hurgar la estética en los prehispánico, de cómo se trabajó la pintura. Me di cuenta de que todas las pinturas eran planas, no había volumen y cuando querían volumen, recurrían a la escultura, que es un volumen real, como un huaco retrato, una estela, como la de Raymondi, que son esculturas. Entendí todo eso.

Toda esa herencia prehispánica colisiona con la modernidad. ¿Qué ha cambiado en tu arte la modernidad?

Cambiado, no. Lo ha complementado. Estéticamente, yo sigo igual, con el plano. Elimino la perspectiva y todo el tratamiento lo hago en primer plano. A veces trabajo profundidades, pero por la intensidad de los colores. Y le aplico un poco la dualidad andina, que son los dos elementos extremos, como claro y oscuro, fuego y agua. Cuando uno mira un trabajo prehispánico, va a encontrar eso, siempre. La modernidad me ha dado nuevos temas, contenidos. Ahora, por los materiales, ha enriquecido los colores. Hay más posibilidades de expresión.

Hay asunción de la modernidad en tu pintura, pero subsiste la iconografía inca.

Uso bastante la iconografía inca, porque tengo un trabajo sobre la iconografía de las mantillas del Mantaro, pero esa iconografía está en todo el país. Cuando uno ve, por ejemplo, las mantillas dibujadas por Guamán Poma, ve la misma iconografía. Ahora, con los nuevos estudios, se sabe que toda esa iconografía ahora es lecturable. O sea, ellos manejaban un lenguaje visual.

En los dibujos que expones, hay un chorreado en negro, ¿eso tiene que ver con la impronta del dolor pandémico?

Seguro, pero eso surgió de manera espontánea. También he trabajo este tipo de pintura, de tirar, que es un poco el tachismo, pero lo controlo, que no se me vaya de las manos. O sea, tiro la tinta y agua y ya están las formas, luego las trabajo y ya tengo el dibujo.

Pero inquieta que junto a tus colores vivos surja el negro.

Bueno, es lo trágico de los momentos que hemos vivido. Sí, tienen un mensaje mítico, pero también tienen mensaje de dolor, de sentimientos tocados por la pandemia y la violencia que hemos pasado. Además, como artistas no podemos ser ajenos a lo que sucede. Tenemos que estar presente con el lenguaje que tenemos, en mi caso, la plástica.

El dato La muestra. “Mito y modernidad” se exhibe en la galería Más Arte, ubicada en la calle Mariano Odicio282, Miraflores. Estará abierta al público hasta el 18 de noviembre. Visita, de Lunes a sábado, de 11 a. a m. a 7 p. m. El ingreso es libre.

External links

• Article in BBCMundo.com
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Articles about Pickens Museum

Latest Stories about Pickens Museum

• Bronze statue from Pickens Museum to grace Osage Nation campus through the end of the year
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2022

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2021

• Pickens Museum/NOC Mural Dedication Set for June 16th
• Yatika Starr Fields Completes Mural for Pickens Museum May 12, 2021
• Pickens Museum and NOC Announce Mural by Osage Artist Yatika Starr Fields May 5, 2021
• Osage Warrior in the Enemy Camp (Counting Coup) by John Free March 29, 2021
• Pickens Museum Displays Route 66 Murals by Robert Hardee March 29, 2021
• Pickens Museum Opens Exhibit of Sculpture by Donald De Lue at NOC March 24, 2021
• Pickens Museum partners with NOC February 23, 2021

2020

• Three Faces of the Pioneer Woman February 21, 2020
• Letter from a Birmingham Jail by Faith Ringgold February 21, 2020
• Exhibition: "Winter in New York" January 22, 2020

2019

• Pickens Museum presents Thomas Calloway Lea III: Southwestern Landscapes December 4, 2019

2018

• The Turquoise Guitar by Jolene Bird November 26, 2018
• World's Largest Naja August 29, 2018
• A 1949 Hudson Limousine August 29, 2018
• Meet the Museum Design Team May 21, 2018
• A Ponca City Mystery April 5, 2018
• Tonya Rafael Visits Ponca City February 2018

2015 and before

• Sculptor Bryant Baker's Lost Masterpiece November 3, 2015
• Pioneer Woman Models Come Home February 26, 2010
• Pioneer Woman Models Should Return to Ponca City July 13, 2007

About Pickens Museum

• Facebook for Pickens Museum
• Doctor S. J. Pickens

Contact

hughpickens@gmail.com

Gallery

• 

  Osage Warrior in the Enemy Camp by Sculptor John Free.

• 

  Osage Warrior in the Enemy Camp by Sculptor John Free.

• 

  Three Faces of the Pioneer Woman by Artist Daniel Pickens at our Ponca City location.

• 

  War Club" by Osage Artist Yatika Starr Fields

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  Three Faces of the Pioneer Woman by Artist Daniel Pickens. located in City Centra in Ponca City.

• 

  Pickens Doctor Pickens Museum of Turquoise Jewelry and Art.

• 

  Native American Artist Yatika Starr Fields Completes Mural for Pickens Museum.

• 

  The World's Largest Naja. Future location of Pickens Museum on Route 60 and "U" Street West of Ponca City

• 

  Architectural Renderings of Pickens Museum.

• 

  Future location of Pickens Museum west of Ponca City

• 

  Display of Turquoise Jewelry.

• 

  Drum player by Allan Houser. This stone carving is part of the collection at Pickens Museum.

• 

  "Red Man" by Native American Artist Fritz Scholder. Pickens Museum Director Hugh Pickens on right.

• 

  Osage Warrior in the Enemy Camp.

• 

  Native American Jewelry Artist Tonya Rafael with a silver frame she created to honor Dr. S.J. Pickens.

• 

  Native American Artist Jolene Bird with her Fender Stratocaster guitar

• 

  American Indian by Paul Manship This piece at Pickens Museum is the only known existing copy of this sculpture.

• 

  Painting by Peruvian Artist Josue Sanchez. Photo Credit: Hugh Pickens Pickens Museum

• 

  Dancer in Red by Clyde Otipoby.

• 

  Dancer in Gold by Clyde Otipoby.